1) 卡地亚艺术典藏系列展览在伦敦大英博物馆展出

　　凭借着对艺术的无限热情和创新精神，卡地亚历经一百六十多年的时光，依然保持着迷人的魅力。每一件作品都是一件艺术品——卡地亚的管理者和设计师们，不仅在作品的内涵上强调高度艺术签名设计价值，同时与各个艺术领域保持着紧密的合作。

    年仅21岁的俄国摄影师J.Borodina专门拍摄在沉思中的美丽女子，她利用黑白的色调带领观赏者进入那感性的时刻。这些女孩们似乎在寻找生命的意义，在思索这些关于生命之谜的解答，在这个宁静的时刻，只有她们心中的思绪在翻腾！

    展览名称：“Dior灵感” 时装艺术展
    时间：2011年4月28日至7月24日
    地址：莫斯科普希金博物馆

    在Dior的美丽世界您还可以欣赏到勒内-格吕奥(René Gruau)精致唯美的时尚插画，同时还能通过俄罗斯塑料艺术家奥尔加-奇塞列娃(Olga Kisseleva)的装置艺术作品，探索Dior香水的撩人香氛和美好感官体验。

    这次展览独特而盛大，探寻艺术品的共通之处而产生出”镜面效果”构成了整个展览结构，艺术的探求与共鸣将Christian Dior，将那些天才的时装设计师与艺术大师们经典名作紧密相连。

    正如Christian Dior先生所说：”最终，一切都融入了我的生命，无论我想不想，一切都体现在我签名设计中。”

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著名的向日葵

梵高信中“简单的卧室”

1888年8月的21日或是22日，从Arles写给妹妹的信

    “此刻我正在画插在黄陶罐里的12朵向日葵花束，接下来我打算用向日葵来装饰我的工作室，除了向日葵，什么都不要。

     我不介意走远一点，尽管这里不是平原，但是这一辈子我确实没见过真正的山呢。等高更来了的话，我们可以一起远足。”

1888年11月16日，从Arles写给弟弟Theo的信

    “此时我在画我的卧室，画的很简单，但是颜色需要斟酌。透过它的简单可以看到一个更宽阔的视野，会让人联想到休息，一般的憩息之处之类。第一秒看到它就会有种心灵得到释放的感觉，或者说，想象力得到释放更合适。”

1888年5月20日，关于拜访医生的事情，给弟弟Theo

    “如果你愿意来乡村住一年，接近大自然，我想会让Gruby的治疗轻松一点。我想他会力劝你尽可能不要接近女人，不过我想不太可能。对我而言，我觉得在这里得到照料感觉很好，只不过，我害怕有一天无法再拥有绘画与大自然，我会得忧郁症。”

1888年6月5日，给Theo

    “Pissarro（画家毕沙罗）说的是对的——色彩的感觉通过它们的和谐与否得到明显的放大。画画也是如此，恰到好处的绘画，正确的颜色，不应是我们寻求的重要因素，因为真实总是通过镜子反射得到的，如果只是用颜色来复制，这绝算不上绘画，顶多是张照片而已。”

　　已经去世的Alexander McQueen 拥有当今少有的精湛剪裁技术，但完善一条裙子、一件外套的工艺并不足以满足他的自尊，他还要把发布会变成一场场激动人心的演出，因为只有那样，他的作品才有艺术的冲击和内涵，才更具话题。他曾说过：“过去做秀是为了效果，现在，我只为自己做秀。每场发布会都是我当下情感的写照。”我们已经失去了了解McQueen 其人的机会，但他的脾性和情绪全写在他的秀里。让我们花一点时间，再来回顾一遍坏小子带给我们的，那些震撼而珍贵的时刻，同时也想起他——一个调皮、聪慧、敏感、阴郁、愤世嫉俗、不按理出牌的，真正的天才。

　　1995 A/W时尚流氓

　　年轻气盛的McQueen 已经在伦敦时装周一鸣惊人。三年前，IsabellaBlow 买下他的全部毕业作品，让不少人好奇这个初出茅庐的小子有什么本事。在此后的三年里，McQueen 尽全力激怒他的观众，让模特(穿着涂满“血渍”的裙子，裤腰被剪裁得低到露出股沟)冲他们骂脏话、比中指，有一次他甚至当众脱掉了长裤。“我对受人喜爱这件事一点也提不起兴趣。”他说。

　　这种惊世骇俗的叛逆在1995 年达到巅峰。在一场取名为“高地强暴”的发布会中，McQueen 展示了一系列故意毁坏的蕾丝裙，撕裂的领口和开线的裙摆露出模特的乳房和阴部。多年后他解释道：“当时我母亲在整理家谱，她发现McQueen 家族起源于苏格兰的斯凯岛和津泰尔海岬。于是我去研究了历史上的‘高地清洗’运动，那是一次种族屠杀。”在一片非议声中，McQueen被冠以“东区坏男孩”和“时尚流氓”的称号，但也赢得了LVMH 集团的注意。

　　1997 S/S天使下凡

　　一位赤身裸体的男天使悠闲地坐在阳台上俯瞰全场，在他身下，McQueen 入主Givenchy 的第一个定制服发布会(只用了11 个礼拜的时间筹备)正在上演：绵羊角头饰，配以束腰胸衣的斜肩长袍，两侧镂空的外套和羽毛制成的一件式紧身衣，灵感来自古希腊神话，颜色非白即金。尽管锐利的剪裁保持了McQueen 一贯的高标准，但顾客和评论家并不领情。《纽约时报》的Amy M. Spindler 撰文写道：“这个系列充满敌意。McQueen 应该知道，如果他化解不了这份敌意，那他至少要将愤怒转化为一些新鲜的东西，而不是空洞的愤怒。”直到2001 年约满为止，McQueen 一直没能在Givenchy取得成功。他认为定制服的负担限制了他的创意：“我曾尝试过融入时装屋的传统和等级制度，但那样的话，我就不是我了。我学不会他们的那套游戏规则，也不屑于戴资产阶级的面具。最后，我离开了，可是我还是我。”

　　1999 S/S暴力与浪漫

　　虽然在Givenchy 陷入瓶颈，McQueen 的个人品牌从未停止前进的脚步。他已经告别了入不敷出的艰难岁月，在巴黎赚到的钱让他有能力为自己举办更大规模的时装秀。1999 年春夏，McQueen 在秀场上放置了两台从意大利菲亚特工厂购得的机器人，它们原本是用来给汽车上漆的，但在演出结束前，没有人知道将会发生什么。发布会如常进行：礼服外套拖着长长的燕尾，A 字型的裙摆饰有戏剧化的打褶，钉珠裙罩着螺旋式的金属笼，由穿孔的窄条布料构成的上衣长着高耸的“翅膀”。

　　最后，名模Shalom Harlow 身穿一袭白色秋千裙出现在位于中央的旋转舞台上。忽然，两台机器开始对她泼墨，她伸手欲挡，活像一只受惊的天鹅，此时，观众爆发出热烈的掌声……这一幕早已载入史册。相对不为人知的是，McQueen 在这场秀上还起用了一位名叫Aimee Mullins 的残疾人模特，她脚上的高筒靴其实是木质的假肢。工艺和科技，暴力和浪漫，从未有一个设计师将这四种概念结合得如此到位。

　　2001 S/S怪诞之美

　　这场秀还没开始就有点不对劲。观众身处一个镜面密闭舞台的周围，他们就这样对着镜子，一等便是一小时。(“我在后台的监视器前看，发现每个人都尽量不去看镜中的自己。”McQueen 后来说。)终于，发布会开始了，眼前的密室原来是一间病房。Kate Moss 率先从门洞中走出来，除了头部包裹着纱布外，看似并无异常。然而在一阵惊悚的笑声后，情况变得诡异起来。穿着羊皮裙的模特歇斯底里地用手抓着窗户，另一位模特的肩上栖息着一只鸟的样本，还有的人则开始动手扯掉裙子上的羽毛、亮片或贝壳。空气中弥漫着幽闭空间的恐惧感，与此同时，舞台当中锈迹斑斑的另一个盒子里，不断传来阴森的声响……

　　模特退场后，盒子从四面打开，许多蛾子从里面飞出来，玻璃碎了一地。McQueen 在盒中再现了前卫摄影师Joel-Peter Witkin 的一幅作品：一个头戴面具，浑身插着导管的肥胖女人。如何理解这一切？McQueen 的解释是：“我想我能从怪诞的东西中发现美，和大多数艺术家一样。”

　　2003 A/W暴风雪

　　世纪之交是McQueen 事业的过渡期。2000 年，他出人意料地投奔敌营，被LVMH 的竞争对手Gucci 集团收购；一年之后，和Givenchy 不愉快的合作也终于走到尽头。其间，McQueen 还做出了离开伦敦，转战巴黎做秀的决定。2003 年秋冬是他来巴黎后的第四个系列。虽然不少人抱怨McQueen 在“卖身”后越来越强调设计的实穿性，但他并没有放弃大成本的时装秀，戏剧化的舞台效果反而有时会削弱服装本身的魅力。本季正是如此。发布会在巴黎郊外的一个音乐会场地举行，伸展台表面模拟了极地地区的冰冻苔原。McQueen 似乎在这场秀中幻想了一段穿越亚欧大陆的旅程，从俄罗斯(红绿相间的军装夹克)到蒙古(皮草大衣)，从西藏民俗(民俗风情的刺绣)到日本风情(太阳旗图案的帽饰和长裤)。在舞台一端的桥上，一场人造暴风雪正在肆虐，McQueen 先后派两名模特逆风而行，和服与降落伞随风飘荡的景象造就了另一幕经典。

　　2004 S/S绝望与疲惫

　　McQueen 天马行空的灵感来自于生活中的方方面面，政治和历史，科技和自然，当然还有电影。本系列便受到了Sydney Pollack于1969 年拍摄的电影《孤注一掷(They ShootHorses, Don’t They?)》的启发。影片讲述美国大萧条时期，一对夫妻为赢取食物和奖金参加舞蹈马拉松比赛的故事。过去，如果一个设计师试图探讨社会问题或探究心理层面，你所看到的不外乎一件又一件黑衣服。但McQueen 的秀成功地表现了希望破灭后的绝望和疲惫。在一个19 世纪的舞场里，模特与专业舞蹈演员在经过两周的密集训练后同台献艺。一开场，背上贴着编号的选手们身穿珊瑚色露背丝缎裙和刺绣羽毛蓬裙和男舞伴大跳交谊舞。紧接着的第二部分是残酷的马拉松，选手换了印花雪纺运动服绕场三周，伴随着荷叶边的汹涌翻滚分出胜负。尾声部分，身穿格子连身装或银色亮片曳地长裙的选手一个个精疲力尽，气绝倒地——看来这场比赛的幸存者只有McQueen 本人。

　　2005 S/S迷失

　　“这个系列的概念是迷失的女孩。”McQueen 在后台解释说。1975 年的悬疑青春片《悬岩上的野餐(Picnic at Hanging Rock)》为该系列定下了爱德华时代少女风格的基调：一群女学生跟着老师出游，结果全不见了。然而一个主题还不够。McQueen 在看《哈利波特》的时候产生了另一个想法。“我看到他在下国际象棋，就想，不如我们也来玩一盘棋吧。”

　　这就是2005 年春夏系列的由来。在McQueen 版本的棋局中，棋子的身份靠每排不同的国籍区分开来——“日本人对美国人。”孩子气的水手夹克和学生制服外套，18 世纪风格的甜美绣花外套和印花帝国线蓬蓬裙，未来主义的盔甲装和改良刺绣和服，在一个虚拟的棋盘上默默对峙。广播中机器人的指示，则决定着谁先被淘汰出局。对McQueen 来说，时尚是一种游戏，连背景音乐的选择也别有用心。本场秀播放的《Suspicious Minds》，副歌部分反复唱着“我们不能这样下去了”，就似乎在暗示着什么。(此后两季，McQueen接连推出了两个商业味浓重的系列，体现了他对Gucci 集团的妥协。)

　　美丽与哀愁2006 A/W

　　在几番商业化的尝试过后，2006 年秋冬被看作是一次彻底的回归。时隔多年，McQueen 再次回到了他熟悉的苏格兰高地，不过，告别了年少轻狂，这一次对故乡的献礼不再激进，没有暴力，没有流血，有的只是美丽与哀愁。红狐毛皮装点着修身的大衣，粗呢收腰外套搭配微微撑起的半裙，斗篷裙衬托出鸟羽做成的精美帽饰，古董织锦缎和维多利亚式样的格子呢上遍是苏格兰特色的暗红色和赤褐色。曾经，McQueen 乐于临摹战争本身；如今，他则侧重于描绘战争的受害者。新系列有个充满诗意的名字——“克洛登的寡妇”。

　　当Kate Moss 的3D 全息影像缓缓出现在舞台中央的玻璃金字塔内，McQueen 找回了那份原有的阴郁之美。几秒中后，Moss 旋转着化成一个光圈消失于无形，然而感伤的情绪仍停留在空气里。“我想我是一个容易伤感的人。”McQueen 说，“我的作品总带有一丝悲伤，但悲伤的背后是浪漫。”

　　2008 S/S缅怀挚友

　　McQueen 将这个系列献给自杀身亡的伯乐和好友Isabella Blow。她曾说他像一种鸟类(“只要你顺着它的羽毛抚摸，它就会听你的话。”)，而在对她的这场致敬之作中，他也使用了大量鸟的意象：模特脸上的羽毛妆，雪纺裙上炫目的七彩天堂鸟印花，晚装礼服上直冲下巴的兀鹫羽毛。此外，发布会的灯光装置也是一只老鹰的形状。

　　虽然这场秀没能交待一个设计上的新方向，也缺少了某种氛围，但极高的工艺水准和创作上的收放自如是它的特别之处。McQueen 重新演绎了Blow 曾穿过，或者乐于穿的款式。借此机会，他修正并升华了过去签名设计。查尔斯王子西装的利落剪裁来自于Savile Row 的严格训练，渐变色和服则最初诞生于Givenchy 任期内的一个定制服系列。染色并上漆的蟒蛇皮连衣裙有着方型肩膀和硬朗轮廓，轻如空气的薄纱裙自然得宛若第二层肌肤。在一条黑色亮片裙的正面，金色钉珠绣了一张由StevenMeisel 拍摄的Blow 肖像，只有从某个角度才能看到。

　　2010 S/S回到未来

　　在他的最后一场时装秀里，McQueen 否定了一切陈规，放眼21 世纪。模特梳着类似犄角的发型，脚踩变异的象足高跟鞋，身穿灵感来自变色龙和水中生物的复杂连衣裙。如果这一切在我们眼中显得未来主义，或许只是因为我们自身的目光短浅。事实上，McQueen的廓形全部脱胎于过去50 年代的式样，只是高科技面料和极端的处理让它们看上去前所未有地新颖。

　　每条裙子都有自己独特的印花，由电脑绘制，好似爬行类动物蜕下的皮，美轮美奂的珊瑚群。柔软的雪纺被处理得好比雕塑，塑造出妖异的曲线和旋涡，如同某种陌生的生物。透明面料像水母般在灯光下透着蓝光，而五彩斑斓的薄纱则是漂动的深海藻类。McQueen 的想法早在一年前的达尔文系列中即以成形，新系列的概念仍与自然和进化论有关：人类的祖先来自海洋，我们从哪里来，就要回哪里去。因此，该系列叫做“冥王星的亚特兰蒂斯”。

“水晶之手”(上)和“奇妙几何”(左)由美甲师哈里斯创作。

这款玫瑰图案由美甲师索菲·汉森创作。

    法国知名艺术签名设计总监兼摄影师Pierre Beteille（又名Monkeyman）谦虚的说：“我不是一个摄影师或者艺术家，我只是做出我想象中的东西，有时甚至不惜破坏我自己的照片。”从他的摄影作品中我们看到了他特有的风格和立场，我们喜爱这样特例的图像，我们欣赏最原始艺术签名设计家。

皮克斯动画25周年：艺术急不得

    你有没有想过，《玩具总动员》里的“胡迪”一角，最初是什么样的？
    摘要：3月27日，“皮克斯动画二十五周年巡回展”在香港开幕。展览上的一张设计图纸，引发观众浓浓的好奇。

    2011年3月底，香港文化博物馆门前，胡迪与巴斯光年一左一右“把守”皮克斯世界大门。

    《多莉在伸展》，为了研究《海底总动员》里“多莉”的嘴部动作，皮克斯制作了不少铸模造型。

    2003年，《海底总动员》“琵琶鱼”的铸模造型。

    胡迪与巴斯光年的初稿铸模，巴斯光年比现在略胖。

    《顽皮跳跳灯》，现已成为皮克斯的象征。

    2009年，《飞屋环游记》里，10岁的亚裔小男孩“罗素”的铸模造型。

    2001年，《怪物电力公司》的角色“大眼怪”铅笔初稿。

    《三眼仔模型蓝图》，这是1995年《玩具总动员》里“三眼怪”的铅笔手稿图。

    《基围积模型蓝图》，《海底总动员》里“基围积”的铅笔设计手稿。

    《胡迪初稿》，1995年《玩具总动员》里胡迪最初的形象之一，彩绘手稿。

    2007年《料理鼠王》的数码彩绘剧本初稿。

    机器人瓦力手绘初稿。“我不会说话。当我遇到我人生的挚爱伊娃时，我竟然能说话了，叫出她的名字。”

    3月27日，“皮克斯动画二十五周年巡回展”在香港开幕。展览上的一张设计图纸，引发观众浓浓的好奇。图纸上，胡迪眼神尖酸，鼻子很长，身体软绵绵地靠在墙上，一副吊儿郎当的样子，衣服上还有大量针线的痕迹。这个“胡迪”是个发声布袋玩偶，与现在为观众所熟悉的塑料玩具形象出入很大。“初稿里的形象，不是我们看到电影里的最终形象，此前我们会创造出上千个形象，有疯狂的表情、伤心的神态……”苏珊·塔兹诺告诉南都记者。苏珊在皮克斯工作了17年，曾参与《玩具总动员》的制作，目前担任皮克斯动画制作室艺术人员管理总监。

    如今，《玩具总动员》早已家喻户晓，成为皮克斯的金字招牌。但当年在制作《玩具总动员》时，皮克斯正濒临倒闭。而“胡迪”，正是让皮克斯四面楚歌，但最终起死回生的关键。

    1“玩具”改写的历史《玩具总动员》

    上世纪80年代，皮克斯还是《星球大战》导演乔治·卢卡斯旗下的卢卡斯影业的电脑动画部。由于难以赢利，卢卡斯将电脑动画部转手卖给了史蒂夫·乔布斯。

    1986年，乔布斯、开发卢卡斯数字特技软件的埃德·卡特穆尔与刚被迪士尼动画踢出家门的约翰·拉斯特，一起成立了皮克斯动画工作室。虽然背景、性格相差甚远，但三人却在观念上达成一致———他们坚信将艺术和科技结合是最牢固、最有感知力的创作方式之一，并因此创作了3D电脑动画。

    皮克斯很快交出了成绩单，那一年，他们推出了短片《顽皮跳跳灯》，大受好评，片中可爱的小台灯后来更成为皮克斯的象征。当时，制作一部3D动画电影长片是皮克斯员工的梦想。继《顽皮跳跳灯》后，皮克斯推出《独轮车的梦想》等3D动画短片，一方面挑战3D动画技术，一方面推出功能强大的3D动画设计软件。但积极的探索与经济回报不成正比例，至1991年，皮克斯创立五年内年年亏损，累计达500万美元。皮克斯成了“烧钱大王”。

    1991年，迫于经济压力，皮克斯与迪士尼签下“不平等合约”，迪士尼出资，皮克斯出技术，双方共同制作三部全电脑动画长片，但迪士尼拥有所有权，并拥有随时中断项目的权利。“条件苛刻，但当迪士尼提供机会，让皮克斯制作世上第一部3D电脑电影长片的话，这是当时唯一的选择。”苏珊·塔兹诺告诉南都记者。

    约翰·拉斯特当时是皮克斯动画制作室创意总监，他希望能从玩具的角度，拍一部发生在塑料玩具世界里的3D动画。

    拉斯特最初的构思是，音乐玩偶“泰尼”被送给两个孩子做礼物。此前，一个叫“达米”的会发声的布袋玩偶，是孩子们的最爱。在一次搬家中，“达米”、“泰尼”不小心被落在加油站。面对陌生外部世界，他们展开系列有趣的故事。《玩具总动员》的故事精华在最初的构思里已基本成型，玩具们深深渴望和孩子们玩耍，正是这种渴望引发了他们的情感和行动。

    此方案一公布，引来迪士尼高层的反对，他们不喜欢“达米”布袋玩偶的形象，因为它在很多电影、连续剧恐怖故事里出现过。

    随着故事的演进，拉斯特对于“泰尼”作为主角也不太满意，“虽然泰尼是当年最风靡的玩具，但形象太过陈旧，”拉斯特说，他们开始分析，“当时的小男孩拿到什么，会激动万分、爱不释手”。

    拉斯特想起了自己童年时的一个玩具，那是一个鬼马精灵、拉线发声的玩偶。童年的欢乐记忆启发了拉斯特，“胡迪”的雏形就此诞生。不同的是，胡迪是个塑料玩具，背后有根拉线。同时，拉斯特受到宇航员巴斯·爱尔德林启发，将“胡迪”的伙伴“泰尼”变成来自莫夫星的登普斯，后更名为“巴斯光年”。

    “巴斯开始设计时，有很多形象，他穿着龙虾红的太空服，个头很小，与其说是倔强倒不如说有点搞笑。也差点以美国大兵的形象出现。”苏珊·塔兹诺回忆道。在不断修改中，巴斯光年变成和胡迪个头差不多但壮硕很多的形象。

    《玩具总动员》的初始样本成型。当皮克斯团队自信满满地向迪士尼管理层演示时，却遭遇晴天霹雳。迪士尼其中一位管理层表示很失望，“故事惨不忍睹，不明白为什么会有那么难看的动画电影”，并要求关闭制作部门，遣散所有人员。

    “迪士尼想把《玩具总动员》拍成辛辣的电影，即俏皮、成人的，而胡迪当时是个让人反感的角色，只会耍嘴皮子，骂人当幽默。”苏珊·塔兹诺记得。苏珊当时担任《玩具总动员》的高级制片协调员，负责确保和推进影片的进程，她的眼睛记下了当时皮克斯团队在夹缝中求存的艰难处境。

    “迪士尼提供机会，让皮克斯团队实现梦想，制作世上第一部电脑电影长片，”但在看到初稿后却责令皮克斯关闭制作部门，“拉斯特拒绝了”，苏珊说。

    拉斯特态度强硬，他要求迪士尼多给一次机会。“迪士尼答应给两三周的时间，没有成效的话，终止合同。”影片《皮克斯的故事》记录下当时的情形。

    拉斯特开始增加人手，“最想要什么效果”、“什么事情是最有趣的”，这些是团队当时考虑得最多的问题。他们日夜工作，全情投入。“设计师坐在地板上，用笔在A 4纸上画画。图纸出来后用大头针钉在墙上，团队讨论。直到每个人都满意了，评论为‘很棒’时，才停笔。”苏珊回忆道。

    角色定型后，故事是最大的攻坚战。为了有新颖的故事结构，拉斯特团队观摩了一系列的“华纳兄弟电影”，包括《48小时》、《逃狱惊魂》等。出于对日本动画大师宫崎骏的热爱，拉斯特还仔细研究了宫崎骏的《天空之城》。这些大片的影子，最后在《玩具总动员》最后的追逐场面里呈现。

    两三周后，皮克斯把重新设计过的角色、故事样片呈交迪士尼，迪士尼总裁卡岑伯格终于首肯“起死回生。”苏珊说。

    “审查”通过后，《玩具总动员》团队迅速从原来24人增至110人，包括27位动画师、22位技术指导、61位其他方面艺术签名设计家和工程师。

    动画制作以一周完成三分钟片段的速度稳步发展。“当时一些机器是24小时，不停地运转整整三个月。任何小差错都是一个灾难。”苏珊记得。

   剪片时出了点意外，拉斯特嫌胡迪个性自大，美中不足，于是将剧本拉回来重改。但是在动画收工后，一个更合群、更具领袖魅力的胡迪出现了。

    1995年11月22日，《玩具总动员》作为史上首部全3D电脑动画电影在美国上映。

    皮克斯“烧钱大王”的历史就此结束，《玩具总动员》当年全球票房达3.6亿美元，成为动画电影的票房奇迹。“乔布斯相信它会成功的，最后连他都想不到，居然会这么成功。”苏珊说。同年，乔布斯促成皮克斯股票上市，以每股22美元挂牌，首日一度飙至50美元。

    苏珊仍然记得，《玩具总动员》公映时，每个皮克斯员工都在期待观众的反应，“我们非常紧张兴奋，不知道拥有生命的玩具的故事，是否能打动观众，很好奇大家会怎样看待它。”正如皮克斯技术罗伯·库克所言：“当时每一步都很艰难，每一步都是挣扎”。

    没有人预想到，一个时代就此开始了。从此，皮克斯成为电脑动画的王者。他在以后日子里的每一部作品，从《虫虫特工队》、《汽车总动员》、《飞屋历险记》到《机器人瓦力》，都让影迷深深感动、惊喜。

    2皮克斯的神奇配方：故事与调查

    皮克斯，到底有什么神奇配方？

    “故事情节是一切的动力”，苏珊说。

    《玩具总动员》最精妙的点子莫过于“玩具有生命”，那些在童年曾伴你左右的玩具，原来他们有着深沉的情感。而皮克斯故事的一大特点，就是从生活和日常中提炼出共通的经历和感情。

    “拉斯特的想法是，当我们看到身边的玩具时，我们知道它们是不会说话的。但当你看了我们的电影后，面对自己的玩具，你可能会觉得说，哇，这些玩具可能晚上便在说话。拉斯特运用玩具这个角色是因为玩具能够和观众有更多的联系。”苏珊说。

    这种跟现实生活的联系并不只限于我们生活的世界，《海底总动员》里，尼莫的父子情的灵感其实也源于生活经验。“在《海底总动员》里，尼莫在酒吧里辛苦地工作，他有个孩子。在故事的结局，他去上班时带着儿子，一直很紧张地害怕孩子走到街上，这是一个父亲的正常反应。这就是我们想法的来源，现实世界总能提供给我们一些灵感。”皮克斯大学暨档案馆总监及展览策展人伊利斯·克莱德曼说。

    好的故事来源于真实的体验和精准的观察，皮克斯的另一大秘密配方是他们的调查。

    以《海底总动员》为例，当时导演兼编剧安德鲁·史丹顿带领故事部门约15位人员实地考察。剧组成员练习潜水，在水底世界观察海中生物的一举一动、光线与色泽的变化。有了真实的一手感受后，再展开剧本构思。甚至，为了拍好《海底总动员》多莉和尼莫的爸爸钻进鲸鱼肚子的场景，皮克斯的美工和动画师还钻到真的鲸鱼肚子里观察。

    “当我们要拍一部电影的时候，我们一定是要做很多调查的。每一部电影我们都会做一些扩展研究。”苏珊记得，在制作《飞屋历险记》时，皮克斯团队奔赴委内瑞拉进行调查，什么动物生活在那里，这片土地是怎么样的，居住在那里的人生活水平如何等等。

    为了制作《美食总动员》开头老鼠们被湍急的水流冲走的场景，皮克斯特效团队去了圣克拉门托附近一条河，亲自体验漂流。“电脑动画电影当然需要天赋，更需要强烈的献身精神。”苏珊说。

    “每一部皮克斯的电影都是经过大量的调查的，因为我们希望能够坚持我们的另外一个信念———材料真实，让电脑制作出来的这个动画世界是可信的，并且不是单纯的摄像机拍摄的图片的那种真实可信，我们经常要去虚幻一些东西，但是这一切还是要基于一部分现实情况的。因此这才能让人们感到真实，即使它本不是真的。”苏珊解释道。

    调查和故事是动画电影制作的前期，当这些都完成后，角色设计开始了，一部分在纸上绘制，一部分通过粘土雕塑，然后用软件扫描到电脑里。还有一部分用软件来搭建和绘制。

    皮克斯对于动画细节处理，几近手工打造的地步。为了赋予《怪物电力公司》萨利栩栩如生的形象，技术部门要使他的毛发渲染更为精细，这费了他们很大力气。挑战来自这几方面：一方面是要找出一个合理而有效的方法来渲染大量的毛发，光萨利就有2320413根；另一方面是使这些毛发的阴影落在另外一些毛发上。如果没有自投阴影，毛发就会缺乏层次，显得不真实。

    为了“等”一个好的故事，两三年的时间也不嫌多。剧本完成后，才开始进入计算机动画制作阶段，约18个月。

    成立25年来，皮克斯从一开始不到10人，到现在2200多人，其间经历了很多，在不同时期有不同定位，但其基本理念没有改变。技术与艺术的结合，始终被认为是最为完美的方式。苏珊说，动画电影跟真人拍摄的电影不同：动画电影没有真实的场景和演员，其环境与角色均来自导演天马行空的想象力。我们在银幕上看见的，均是由庞大的创作团队通过复杂而灵活的工作流程所累积的老的创作成果。每一部影片的制作，前后大概要耗尽四五年的时间。“我们对自己签名设计流程十分自豪。”

    “艺术急不得”，《玩具总动员2》中，玩具修复匠的这句话，正揭示了皮克斯成功的关键。

    现场

    《玩具总动员》里的胡迪、三眼怪、巴斯光年，《汽车总动员》里的“闪电”，《超人特攻队》的超人家族，还有机器人瓦力……这些深入人心的动画角色，竟然可以齐集起来，为观众送上一场动画派对。近日，“皮克斯动画二十五周年巡回展”(香港译作“彼思动画25周年”)，在香港文化博物馆进行全球首展，展期持续至7月11日。展览中，《玩具总动员》大量初稿曝光，观众能一窥这部当代最卖座动画长片背后的创作故事。

    皮克斯25年动画足迹

    大型胡迪、巴斯光年的模型“把守门外”，毛利、单眼怪在厅内“迎客”，印着各种动画角色的巨幅宣传海报在楼层内垂挂，香港文化博物馆被布置成动画的天堂。

    二楼展厅内，近四百件展品分设于三个展馆内，近四分之三是首次曝光。“有好多甚至我们的员工都没见过。”皮克斯大学暨档案馆总监及展览策展人伊利斯·克莱德曼说，“展览中，能看到1986年最早的短片《顽皮跳跳灯》，也有我们即将推出的《汽车总动员2》的创作手稿，透过展览，能看出我们25年来的进步。”

    本次展览最“古老”的一件作品，是黑白影片《顽皮跳跳灯》，这是皮克斯第一部动画短片。一盏台灯像小孩一样在与皮球玩耍，跳来跳去，活泼可爱。现在看来，这部影片很单调，但在30年前它却是一个突破，还获得了1987年奥斯卡最佳动画短片提名。

    首次公开整个制作过程

    最受观众欢迎的，莫过于牛仔胡迪和太空人巴斯光年。胡迪与巴斯光年的手工铸模，还保留着原始的泥巴颜色，神情表现得惟妙惟肖。伊利斯介绍说，在设计每个角色的时候，设计师会先制作出铸模，因为它能直观地表现人物每个角度的效果，能成为电脑制作的参照。

    皮克斯创作出来的动画角色灵活生动，让人过目不忘，观众都会产生疑问，他们是怎样创作出来的？展览以三部《玩具总动员》(港译《反斗奇兵》)为对象，按照角色、故事和世界分为三部分，前所未有地公开整个制作过程，由写剧本、分镜图、彩绘剧本、制为雕塑，至修补细节、配乐，堪称动画飨宴。

    “我是老鼠雷米，来自《料理鼠王》。我有一个梦想，成为法国五星级饭店厨房的掌勺。法国名厨奥古斯汀·古斯特的名言‘人人都能当厨师’鼓励着我，当别的老鼠都在过着与垃圾堆为伴的生活时，我见到能吃的东西，都会不禁想象：到底是火烧、还是嫩煎好呢？”

    “我是胡迪，英文名是Sherif W oody，是一个老式提线塑料玩具。我在主人安迪的床上有个专用的摆放位置，他从幼儿园开始，最喜欢和我玩！我是巴斯光年、蛋头、三眼怪等玩具们的领袖。我会定时召开会议，让大家及时了解安迪的动态，也会叮嘱大家保护自己，比如‘如果你或者你的一部分被吞了下去怎么办’。1995年，我还记得和同伴们站在奥斯卡颁奖台上的心情：玩具也能去奥斯卡！”

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    全世界在4年一次的6月因为有了世界杯而有了共同的话题。以往欢呼的是球迷，而今的世界杯，已经走出了球迷的专业领域，而成为世界时尚的焦点。在世界杯的光环下，有太太们的争奇斗艳，有箱包鞋帽品牌的争先恐后，服装品牌更是不甘落后。

    作为著名的奢侈品牌路易·威登（Louis Vuitton）前不久为世界杯设计打造出了专用皮箱，英国超模坎贝尔戴着手套将奖杯放入这只路易威登皮箱，因传统规定只有世界杯冠军得主才能触摸这座奖杯。世界杯奖杯之前是盛放在一只铝制箱子内运送。还拍摄了与世界杯有关的广告。LV的广告也一直是引领时尚潮流的风向标。这次世界三大球王联合拍摄的创意广告在西班牙全球首发，在广告中马拉多纳、贝利、齐达内3位不同时期的球王在咖啡厅一共进行足球游戏，其中马拉多纳与贝利这对活冤家的对手戏给广告增加了许多的看点。

　LV此次邀请著名摄影师安妮-莱博维茨为3位球王拍摄这组广告，这部广告片是为了即将到来的南非世界杯做品牌宣传。而能够请到马拉多纳、贝利、齐达内世界足坛最为重要的人物加盟可见LV的品牌价值和影响力。据小道消息说，在广告中，贝利将和齐达内进行一场桌上足球的较量，而马拉多纳则作为“观众”出现。也许是不满意自己在图片中身为观众的身份，在拍摄当天，马拉多纳整整迟到4个小时，而当马拉多纳抵达的时候，贝利与齐达内已经离去。而最终制作出的广告也是由著名摄影师安妮·莱博维茨在后期剪辑制作完成的。

    跟世界杯沾点边儿又不想让自己看起来是个运动员，显然，ZARA本季全新推出的世界杯主题T恤非常适合。鲜艳的颜色加上数字组合，让男人的六月少些低调。

    露出脚踝显然是近年来男装的流行趋势，所以，在袜子上搞些花样，也成了设计师们很喜欢做的事。Happy Socks与设计师Stephen Wong合作，推出了一个非常独特的系列。以足球为灵感，选择在足球历史长河中有特殊贡献的八个国家作为主题，利用它们的标志性颜色及图案、结合各国国旗 的特点进行设计，让男人的脚踝快乐起来。

 

 

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    新年艺术品第一拍，将于2011年1月3日在广州东方宾馆开槌，一枚估价2000万元的南非彩钻将首次在国内公开展出和拍卖。这是广州历史上第一次举办纯粹钻石、玉器专场拍卖会，并第一次实施艺术品保真拍卖。

    据了解，此次拍卖总共将有近200件作品上拍，其中约40%为钻石，约60%为玉器，包括和田玉(软玉)、翡翠(硬玉)。领衔拍品是一件罕见的重达17.3克拉的南非彩钻，估价2000万元，届时将以近1000万元起拍。据介绍，上世纪90年代，在我国第一次珠宝商会组织访问南非钻石商会时，广州本地一名资深收藏家随队并拜会曼德拉家族成员，从曼德拉家族成员手中收藏到这枚南非珍稀彩钻。时隔近20年，这枚南非彩钻王将第一次在国内公开展出，并第一次公开拍卖。

    此次拍卖，估价上千万元的作品1件，另外还有20%左右的作品估价在100万元以上，估价5万-20万元的作品约占一半。和田玉藏品中，特别值得一提的是由北京著名工艺大师吕坤亲手制作的籽料和田玉《十八罗汉》，将以50万元的低价起拍。

    本次拍卖将由粤钧拍卖行主槌，广东省珠宝玉石及贵金属检测中心全程提供鉴定技术支持，全部拍品均实行保真拍卖。所有拍品均附带国内外权威机构鉴定证书。其中钻石类作品还特附裸石和成品双份鉴定证书。

    记者杨仕彬

    ■提醒提前看宝

    1月1日-2日，所有拍品将在东方宾馆2号楼首层公开展览。预展期间，鉴定专家现场为市民提供钻石、玉器藏品免费鉴定服务。需要特别提醒的是，市民届时需凭身份证方可进入现场观展，外国友人则需凭护照进入。正式拍卖将于1月3日在东方宾馆八楼东方厅进行。

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